ENFOQUE DE CINE.

PARA COMPRENDER UN POCO EL CINE DESDE UNA VISION PARTICULAR Y PROFUNDA.

Colonia vela, la Argentina potencia y la violencia irracional.

No habrá más penas ni olvidos(1983)
Análisis y comentario cinematográfico.
Por Hugo Bertone.

Los antagonismos extremos conllevan una enérgica carga de violencia mediante la vehemencia que en muchas oportunidades, rivales, competidores en un raid casi sin sentido, expresan a través de sus costados mas difíciles, enmarcando una lucha conspicua que nos acerca a la reflexión aquella del Martín Fierro de Hernández, en referencia a quien ejercerá dominio, si nos dividimos entre nosotros mismos.

Esas frecuencias tan dispares, en una paradoja singular de defensa a un ideal o líder de construcción política, y el vació que queda como lastre de una lucha que favorece siempre al poder reinante, refleja esta obra que con singular característica, forjada desde la exacta pluma de Osvaldo Soriano, escritor que con virtud, reflejo diversos matices de nuestra sociedad en sus trabajos y desde el desarrollo de un guion adaptado con capacidad por el gran Roberto Cossa y la dirección dinámica y conductiva del relevante Hector Olivera, nos mostraran un fresco de un momento sombrío de nuestra historia, la antesala al terrorismo de estado y todo aquello que sobrevendría en pos de instaurar un régimen dictatorial.

La historia se centra en la tranquila localidad de Colonia Vela, lugar de ficción, perdido entre la inmensidad de alguna provincia, a principios de los años '70.
En la pasividad de la localidad,se desata una feroz lucha entre facciones de derecha e izquierda de una popular linea política, que trae aparejadas imprevistas y trágicas consecuencias para todos los habitantes del pueblo.

Significativo es el lugar en el cual se desarrolla la narrativa.
Un pueblo olvidado y perdido,casi como metáfora de aquel pais(Argentina potencia) que comienza a mostrar los síntomas de una devastación a suceder, de la mano de las luchas internas divisorias y taciturnas.
La violencia ocupa el trono central. Todos discrepan, apuntan a poseer la verdad, afirman dar "la vida por Perón",levantando la consigna "Perón o muerte".
Asi entre pasos tragicómicos el grotesco sobreviene, y 24 horas de un combate se transforma en un absurdo,ambas facciones improvisan.
La lucha no se inserta en la vida cotidiana del pueblo,quienes se constituyen como los grandes ausentes, espectadores silenciosos del antagonismo y la locura reinante.

Existe algo relevante para comprender el lineamiento, la estructura del film.

La Doctrina de Seguridad Nacional se impuso sistemáticamente en las décadas de los años 60, 70 y 80.
Fue una política exterior de los EEUU que adquirió una dimensión global, con la intención de bloquear al mundo Comunista, generando acuerdos con la parte militar de cada región,particularmente en América Latina.

Esta" Seguridad nacional" destruía la política interior y exterior,logrando así que todo conflicto puertas adentro, sea interpretado como "infiltraciones Marxistas".

Podemos observar este lineamiento en la intención de la arenga del comisario del pueblo en la obra :"tenemos que terminar con el enemigo apátrida y Comunista en Colonia Vela"...

A partir de advenimiento democrático, surgen grandes obras cinematográficas, de amplitud a la hora de canalizar y dar a conocer conflictos mediante el arte, que de modo censura, se habían arrojado al hueco de la oscuridad de ideas y pensamientos, siendo "No habrá mas penas ni olvidos" uno de sus mas elevados estandartes.

Su elenco es de antología.
Federico Luppi, Ulises Dumont, Rodolfo Ranni, Víctor Laplace, Miguel Ángel Solá, Lautaro Murúa, Arturo Maly, Julio De Grazia, Héctor Bidonde, Graciela Dufau, Patricio Contreras, seleccionado de oficio y compromiso, nos introduciran hacia un entretenimiento de reflexion y analisis puro de nuestras características, con un dinamismo extremo y orientando a la vuelta del cine costumbrista.

El titulo del film, proviene de los versos finales de una simbólica canción tanguera.
De representación exacta, de nostalgia milagrosa, de ser y simiente, pese a tantos dolores concebidos.

Tan solo erradicando el olvido, teniendo memoria, de seguro cada día un pesar menos sostendríamos.

Y el querido Gordo Soriano, esté donde esté, sentirá sobremanera que su misión se ha cumplido.

Cronica de una fuga.El horror oscurantista en la casa de tormentos.

Crónica de una fuga (Buenos Aires, 1977)
Esta es la historia de cuatro jóvenes.

Claudio, Guillermo, Gallego y Vasco.

Cuatro jóvenes con sueños y esperanzas, con ideas, contradicciones, emociones y templanza.
Pero el marco anacrónico, la periferia cargada de odio que los rodeaba, que nos rodeaba, que nos dirigía al terror más profundo y sin sentido, limito sus horizontes, eclipso su confianza, extrapolo el sentido verdadero de lo conocido como dignidad.

Pero aun así, pese a la irracionalidad puesta de manifiesto en cada movimiento del poder oscuro, no pudieron apagar la llama interna de su libertad, que sucumbía a cada movimiento en los prisioneros, pese al descenso sistemático al mismísimo infierno que duro 120 días.

Una inmensa estructura, cobijaba así los tormentos más extremos, símbolo inerte de un sistema absolutista y mediocre.
Así, con reminiscencias al hogar de Norman Bates del film de Hitchcock, esa construcción toma relevancia de real pesadilla, con su tinte adusto, de representación simbólica de aquello tan pesado y tan extremo que sometía a una Nación en su conjunto.

"Crónica de una fuga" se sitúa en la consternada Buenos aires de 1977, durante el horror de la última dictadura militar Argentina.
Un grupo de tareas secuestra al arquero de un equipo de fútbol de segunda división y lo traslada al centro Mansión Seré: una vieja y gran casona ubicada en el barrio de Morón.
Allí, el guardametas Claudio, conoce a Guillermo, el Vasco y el Gallego. Durante cuatro meses de cautiverio en ese lugar que se asemeja a un manicomio carente de reglas, los jóvenes son torturados sistemáticamente, comenzando a rondar por sus cabezas la idea de una fuga.

Este thriller de suspense está basado en la novela autobiográfica "Pase libre: la fuga de la Mansión Seré" de Claudio Tamburrini, forma parte de la representación exacta de aquellos históricos momentos de una Argentina sitiada por asalto, casi como la casa tomada descrita tan inteligentemente por el inmenso Cortazar, muestra con crudeza y realismo toda aquella cloaca generada por una dictadura atroz y deleznable desde sus primeras imágenes, concebidas con realismo y cámara en mano, a través del inmenso trabajo de su director, el Uruguayo Israel Adrian Caetano, que conforma con este trabajo poseer una jerarquía diferente y un concepto cinematográfico trabajado con minuciosidad.

Toda esta miscelánea de terror psicológico, se demuestra en una narrativa muy bien consolidada, de climas intensos, que no viene a generar enseñanza alguna: Todos nosotros tenemos la lección bien aprendida a la hora de entronizar aquellos Dantescos momentos.

Rodrigo de la Serna, Nazareno Casero, Matías Marmorato y Lautaro Delgado, por antonomasia, protagonistas de la obra, ponen de manifiesto el rol exacto, convincente y locuaz, Pablo Echarri como un turbio parapolicial, logra con intensidad un trabajo altamente destacable, al igual que el de Diego Alonso, cumpliendo un rol acertado y creíble, destacando también el costado técnico del film, una dirección de arte y musicalización acorde al eximio trabajo que secuencia tras secuencia, conforma esta nueva visión de lo siniestro del terrorismo de estado.

Aquí podemos observar personas como vos, como yo, privadas de su libertad, convertidas en nada, caminaban a tientas sobre un fangoso terreno de lo tiránico y represivo.
Nos recordara nuestro triste y no tan lejano pasado, en donde la realidad superaba a la ficción, los inocentes eran los culpables, y no había ningún derecho a reclamar.

Y la Mansion Sere.
Aquel monumento a la casona aristocrática, hoy convertida en museo para la memoria y centro deportivo y cultural, que contiene a miles de jóvenes que desean realizar diversas actividades en libertad y en paz.

LA LEYENDA DEL PIANISTA EN EL OCEANO.LAS EMOCIONES, UN PIANO Y EL MUNDO DENTRO DE UN BARCO.

La Leyenda del pianista en el oceano(Legend of 1900) (1998)
Analisis y comentario Cinematografico.
Por Hugo Bertone.
Una de las misiones principales del cine es el poder transmitir emociones certeras, sensaciones y sentimientos que logren consolidar y tocar fibras intimas, a través de reflejos de nuestra vida o simbolismos que se constituyan como hilos conductivos de reencontrarnos con nosotros mismos.
Y una buena historia.
Y tener a quien contársela.
Esta obra maestra de la cinematografía, contiene todo aquello que buscándolo o no, nos hará acercar a lo mejor de nuestro ser.
El mundo Tornatore, director del film, vuelve a abrir abanicos de fabula, de sana risa y reflexiones serenas, en el marco de una profunda historia de leyenda.
Un amplio relato sin grietas, remarcando el pasar de humanos con esperanzas , dentro de un proceso en el cual moran severas diferencias de clases, las cuales se exponen de modo explicito, pero sin caer en lugares comunes de engrandecer a una de ellas, y demoler a la antagónica.


De un modo superlativo la intencion del director, es retratar la vida de un hombre poco común.
El relato se abre con las emigraciones masivas a los Estados Unidos. A bordo de un lujoso trasatlántico, además de elegantes burgueses, viajan también aquellos que pretenden una mejora de vida.El maquinista del la gigante embarcacion llamada Virginia encuentra a un niño abandonado sobre un piano, lo adopta y le impone el nombre de Novecento.
El barco es el hogar del niño, y los pasajeros,algo asi como ventanas al mundo. Tras la muerte de quien lo adopto, alguien descubre por azar el talento innato del niño para el piano. A través de la música, este entrañable personaje mostrara lo que siente dentro del limitado mundo de un barco que no se atreve a abandonar.
Poética y reflexiva, 'La leyenda del pianista en el océano' posee la conductividad justa y tan buscada del desarrollo fílmico agradable y entretenido mediante algo imprescindible para el alma humana: la verdadera Música.


Constituida como factor de fundamento a lo largo de la obra, la partitura de Ennio Morricone nos generara esa sensación que ha hecho trascender en tantos trabajos de amalgamar imágenes y sonido para lograr así una unidad indestructible y siempre recordada.
Su linea argumental en modalidad Flashback se produce a través del relato de uno de sus protagonistas,quien se encuentra transitando una situación limite
La historia que describe resulta interesante y atrapante, pasa a formar parte de aquellos mitos que no se sabe a ciencia cierta si existieron o no.
Nuestra historia humana posee muchos de ellos.
Podríamos creer o no este relato, pero al igual que para muchos de los personajes del film,valdrá la pena escucharla y observarla
Todo aquello que forma nuestro conocimiento, proviene de la información y los segmentos históricos que conocemos como auténticos.
Pero que es lo real o Irreal?
Lo que adoptamos mediante una formación de creencias que la damos por concretas sin salir del esquema impuesto?
Cada secuencia que se observa nos producirá un grato sabor, desde la concepción de conocer sucesos que movilizaran las cuestiones del alma.
El realismo mágico se sucede con un vuelo distinto,dentro de la estructura de una maquina.
Sus protagonistas juegan los roles exactos. Pruitt Taylor Vince, el eterno actor de reparto que posee una calidad única para constituir roles humanos y sinceros como Max Tooney, un trompetista muy particular,en un contrapunto unico con su amigo, el inmenso Tim Roth , uno de los mejores actores contemporáneos, en el rol de Novecento,el prodigioso pianista y ser de conceptos diferentes.
Su mirada de un mundo que jamas piso, sus analisis breves pero efectivos,el tema y conflicto de su falta de identidad y lazos familiares y el trabajo que demuestra a través del método de digitacion para piano al que se tuvo que someter para concretar el rol, lo convierten realmente un una leyenda de la actuación fuera de eufemismos.
De magníficos decorados y soberbio vestuario, con una dirección de arte y montaje sumamente ponderable, esta obra es casi un "Cinema Paradiso" pero en el oceano, puesto que rescata el amor verdadero hacia un arte y las virtudes de la humildad y el respeto.
El valor de la amistad real y tangible esta puesto de manifiesto en una obra concebida a finales de los 90, tiempos en los cuales se preparaba el desembarco furibundo de lo tecnológico a nivel masivo.
Rescatar este tipo de filmes de profundidad nos hará entender, fuera de lirismos, que como la hermosa retrospeccion que se plantea como estructura de trabajo, regresar a la comunicación mas plena y honesta, urge en estos tiempos tan virtuales.
Sin salir del Barco, pero con el corazón abierto. 

LADRON DE BICICLETAS.EL EMBLEMA DE LA HUMANIDAD Y EL NEO REALISMO.

Retro Clásico de excelencia.
Ladrón de Bicicletas(1948)
Análisis y comentario Cinematográfico.
Por Hugo Bertone.

La virtud humana es buscada profunda e inexorablemente en toda labor honesta que cualquier tipo de arte, pretenda exponer.
Aquellos valores que cada día se alejan mas del hecho factico de ser y concebirnos como "humanos modernos y distintos".

A veces las retrospecciones son buenas.
Y necesarias.
Buscar símbolos desde lo real y tangible, desde ver experiencias que nos tocan de modo cierto, puede acercarnos a lo que nos prepondera como seres razonables y sentimentales.


Pos Gran guerra Europea, y un director de Cine, a sabiendas de la importancia que posee el arte a nivel masivo
y lo certero que produce al manifestar historias verdaderas, elabora un trabajo hasta ese momento único y objetivo,que contiene esa virtud y esos simbolos humanos e imprescindibles.

El trabajo se encuadra en el lineamiento y estilo Neo-realista.
O sea, la realidad absoluta, sin filtro alguno.
"Ladron de Bicicletas" se conforma como una pelicula paradigmatica en el nuevo estilo, rodada mayormente en las calles de una Italia devastada por conflictos belicos y dictadores absolutistas.
Cada escena es un cuadro atemporal, una postal del devenir humano de luchar por sobrevivir ante infortunios reinantes.
Muchas veces se piensa que para hacer cine, se debe de contar con una historia compleja, de giros argumentales diferentes, y muchos personajes para retratar una obra.
Pero en muchos casos, las cosas mas sencillas son las que mayor complejidad poseen.

Y esta filme es ejemplo fiel.


El relato narra un accidente de la vida cotidiana de un trabajador. La dramática situación consiste en el robo de la bicicleta con la que va a trabajar. Este acto sería naif si no se tuviera en cuenta el contexto de la sociedad italiana de 1948 en el que se sitúa la película.
La elección de la bicicleta como objeto clave del drama es característico de las costumbres urbanas italianas, y de una época en la que los medios de transporte mecánicos eran escasos y altamente costosos.

Allí Vittorio de Sica sin saberlo o imaginarlo, no solo estructuraba la referencia primordial del Neo-realismo Italiano, si no que constituía uno de los mayores films de todos los tiempos.
El director rompe los cánones impuestos por el régimen Fascista de Mussolini, de generar y dar auge a comedias chatas o filmes propagandistas.

Así ganaron las calles directores que con el afán de expresar la realidad mediante el lente, tomaban personas comunes para realizar sus trabajos, sin tener necesidad las mismas de poseer estudios o formación actoral alguna.

Los profundos aspectos y modos de una sociedad consternada, son retratados en la narrativa visual,con la misma sencillez que poseen sus protagonistas.
Todo lo conocido como "puesta en escena"(maquillaje, vestuario, artística) esta fuera de este compendio de verdades absolutas, para aumentar aun mas aquello que se deseaba mostrar.
No se profundizan los primeros planos, dándole mayor énfasis al plano general, para así mostrar el contorno,la periferia de una clase que desde su postergacion, aun no perdía el sentido de la dignidad y la honestidad.

La dupla protagonica es maravillosa.

Lamberto Maggiorani en el rol de Antonio Ricci.El protagonista era un obrero de la construcción sin empleo a la hora de abordar el trabajo filmico. Y sus expresiones, su lamento y dolor, son traídos desde su mas profundo interior, cosa que demarca con una maestria absoluta.
Y Enzo Staiola como Bruno Ricci, hijo de Antonio, quien fue elegido entre miles de niños por su modo de caminar, expresando el sentimiento mas profundo hacia la situación de su familia, y la lucha por mejorar y progresar.

Los modos artificiales y acartonados de la clase social mas pudiente,con sus caricaturescos atuendos y modos frívolos que rozan la vergüenza ajena, contrastan con la espontaneidad y sinceridad de la clase opuesta.
En un alto en el fragor de la situación que atraviesan sus protagonistas, padre e hijo ingresan a una Pizzeria, y la escena es única.
Lo que se muestra y demuestra es una lección no solo de cine, si no una visión profunda de nuestros modos, y la forma de manifestar los mismos.


Aquellas bicicletas, símbolos arteros del trabajo, abundan en determinados fotogramas del film.
Muchas, miles.
No reflejan ni al ciclismo,ni a modismos deportivos temporales.
Ellas son simientes de esperanza en el afan de constituir al trabajador como nexo y medio del desarrollo social luego de la devastación.
Pero tal vez la situación limite en si, la produzca el mismo humano, generando desempatia entre si, marginando, y hasta sometiendo al prójimo dente de una estructura de base simbólica y simbiotica.

Esta es la poesía visual de Don Vittorio de Sica para emitir los reflejos necesarios, para entendernos un poco mas, necesaria y constructivamente, con pasos unicos de sentimientos y de hechos humanos.

Antídoto justo, para tiempos "Modernos"...

TIEMPO DE REVANCHA.LA VENGANZA EN LOS FINALES DE LA OSCURIDAD.

Tiempo de revancha(1981)
Análisis y comentario Cinematográfico.
Por Hugo Bertone. 

La venganza es una reprimenda que se ejerce sobre una persona o un grupo de ellas por una acción que es percibida como mala o dañina.
Y cuando la misma es conducida por carriles de obstinación, claramente puede ser letal no solo por quien la padece si no también por quien la genera.

Aquel sentimiento intrincado prevalece en este trabajo concebido en pleno proceso militar en nuestra nación y que alegoricamente, muestra ribetes de su accionar ruin, mediante simbolismos explícitos y cadencias típicas de su Maquiavelico accionar.

La historia cuenta el devenir de un ex-sindicalista que consigue trabajo en las minas de la empresa Tulsaco, donde se reencuentra con un antiguo compañero quien, pasado un tiempo, le propone un plan: simular un accidente y hacerse pasar por mudo para cobrar una indemnización.

Sin lugar a dudas, esta realización del gran Adolfo Aristarain es brillante e intrincada, unos de sus mejores trabajos conformados bajo un férreo marco de censura ,una obra maestra absoluta del cine argentino.
El trabajo posee una contundencia significativa, siendo de esencia narrativa, merito profundo a la hora de vivenciar una obra visual, y que quede en la memoria popular.

"Tiempo de revancha" es un dechado de forma y contenido, un policial sin policias ni ladrones pero enmarcado en un espectro de sugerencias y avatares que posee de modo directo el genero.

Existen en el film, escenas y detalles que son de admiración, producto de la ductilidad de su director a la hora de encausar situaciones desde un concepto de implícita denuncia social.
La misma va concadenada con las expresiones de sus protagonistas, devenires exactos de la desesperación humana, la lucha contra el poder real ( el económico, bien demarcado en la multinacional que dispara la situación de su protagonista) y el oportunismo explicito de aquel que a través de una situación poco fortuita, pretende, fuera del marco de honor y certidumbre, que su cliente acepte decisiones de un sometedor de turno, al precio que considera razonable, extrapolado del rasgo humano que lleva a su protagonista a transitar la sinuosidad que le genero un inventado ardid.

La simetrías propuestas a través de los roles logran hacia el final del film, capitalizar todo su estructura con el engranaje exacto de tiempos visuales,suspenso y simbolizacion precisa no solo mediante su nombre, si no tambien por el proceso de lucha contra un monstruo empresarial y la perdida del Habla, carácter significativo en momentos en los cuales el lema era "el silencio es salud"

Federico Luppi como Pedro Bengolea, un luchador sin suerte, quien encuentra una brecha de combate a través de una extrema situación, cubriendo uno de sus mas logrados papeles cinematográficos, secundado por la Gigante Haydee Padilla, como su compañera, el gran Ulises Dumont y un deleznable y a la vez entrañable abogado en el modo Carancho, representado por el inefable Julio de Gracia, contando con un elenco de rol secundario fuerte y maravilloso.

"Algún día te van a provocar y vas a decir lo que no se puede decir.
y ese día te borran" profetiza el abogado pica pleitos al trabajador y su desicion limite que le sera bandera exacta a la hora de reclamar justicia.
Esa justicia que tampoco existe en parejes lejanos, donde multinacionales sin escrúpulos sacuden sistemáticamente nuestra riqueza,espoleando con la crudeza de la fatídica explotación minera a cielo abierto y sus fatales consecuencias.

Ciclicamente el trabajo,comienza y termina en navidad, con el canto de villancicos, y con la imagen de un Papá Noel mecánico que escribe una carta, abrigado en demasía para el tórrido Diciembre porteño.
Detrás de él, fuera de foco, desdibujada nuestra bandera Argentina.

Alegoria exacta, de los tiempos que estaban por venir.

KOLYA.EL AMOR EN PARAJES LEJANOS.

Los avatares políticos y regímenes gubernamentales han marcado de plano huellas de profundidad interna y externa en el ser humano.
Amplios espectros de inequidad y dolor han provocado muchos de ellos impactando de plano en familias y devenires,pero pese a todo el marco de vida de muchas culturas y el sobrevivir a la desgracia circundante transmutando el sentimiento y acercando el mas limpido a lo mas necesario, miles de personas han sabido superar y cortar el sesgo de facto de aquellos procederes equívocos y de sometimiento y demostrarse como realmente desean ser..

Kolya nos muestra un paradigma de rescate de esencia humana, saliendo del esquema mundano del individualismo y el egocentrismo como punta de lanza para enfrentar la vida misma.

La Historia relata la situación de un concertista de violoncelo y profesor de renombre en la Checoslovaquia ocupada por la Unión Soviética.
Al perder su puesto en la orquesta, no le queda más remedio que tocar en los funerales para sobrevivir. Pero ha contraído muchas deudas y se le hace dificultoso saldarlas.
Un compañero de actividad le sugiere que resuelva sus problemas económicos casándose con una joven rusa que desea conseguir la nacionalidad Checa.
Y la misma, posee un hijo...

Para situarnos en contexto histórico nos debemos remitir al verano-otoño de 1989 desembocando en el comienzo de los acontecimientos de la Revolución de Terciopelo, verdadero preámbulo de la caída del comunismo en Europa.

Esta revolución se genera a través de un movimiento pacífico por el cual el Partido Comunista de Checoslovaquia perdió el monopolio del poder político que había mantenido durante 45 años.
La perestroika impulsada en Rusia por Gorbachov, fue haciendo perder hegemonía de pòder en las zonas sometidas por el régimen, y vaya hecho paradójico, aquellos luchadores adoptaron el sistema Capitalista como opción de salida.

Se demarcan claramente durante la obra, todos aquellos ribetes con muestras simbólicas excelentemente logradas por su director.
El hecho de consternación que padece un niño, el pragmatismo de una cultura rígida y casi aspera, pero con una inmensa necesidad de demostrar cariño y capacidad de amar.

Su protagonista así lo desarrolla a través de sentidos gestos que demuestran que aquella apertura hacia romper con el absolutismo, también lleva aparejado el romper con modismos o mandatos de vida estatica y sin colores.

Kolya le injecta aquella capacidad de amar realmente al Cellista.
El es parte del crecimiento social y la nueva forma de ver la vida, en un mundo ya poco colonizado por ideas de extremismo y tristeza.

El caso del niño encaja perfectamente en el último concepto, y en el de su tutor en cada plano a la hora de retratar y ser un claro exponente de la cultura Checa, de tanta personalidad y para muchos desconocida, sumido al cambio existencial a través del amor real que logra percibir.
El resultado del film es una de esas pequeñas joyas que se pasean por festivales o, como en este caso, logran un Oscar de la academia,una película hecha desde dentro, sin necesidad de recurrir a retoricas"Made in Hollywood" para merecer una significativa premiacion..

La fotografía de excelencia y buena técnica muestra el casco histórico de Praga: sus antiquísimos edificios, catedrales, cementerios, monumentos y tejados, sus caminos anchos y, frondosos bosques, sitios exactos para el desarrollo de un melodrama sin contaminación, con buen criterio y soltura, merito de un importante representante del nuevo Cine Checoeslovaco como lo es Jan Sverák , salido también del movimiento revolucionario y tomando la difícil tarea de dirigir a su padre, el protagonista del trabajo, el actor, director y guionista Zdeněk Svěrák, simbolo absoluto del arte de su región, capitalizando una actuación de brillo y relevancia, en conjunto con el versátil niño Andrej Chalimon, descubrimiento actoral significativo definiendo las emociones justas de un pequeño Ruso, dentro de la problemática transcurrida en la periferia que lo circunda.

No se puede decir que Kolya sea una obra maestra, pero sí que está bien realizada, que su historia entretiene y enseña a través de imágenes comunes y simbólicas (posee una logradisima toma fotográfica de un manojo de llaves, elemento de las demostraciones de la Revolución de Terciopelo mediante tintinear las mismas, mostrando apoyo a la causa novedosa. La práctica tenía un doble significado: simbolizaba la apertura de las puertas y era la forma en que los manifestantes decían a los comunistas: "Adiós, es hora de irse a casa ) y nos enternece sirviendo a su vez para observar el trasfondo político de una transición con final feliz.

El amor en parajes lejanos.
Y el absolutismo que todo lo destruye, menos la capacidad de ser libres mediante declamar lo mas importante que poseemos.

Asesinato en el senado de la Nacion.La trascendencia de la voluntad y el mal enquistado.


Asesinato en el senado de la Nación(1984)

Análisis y comentario Cinematográfico.
Por Hugo Bertone  

Las historias de los Héroes perdidos, olvidados por el modernismo y las nuevas formas y modos de ver y leer la vida misma, jamas dejaran de poseer la relevancia necesaria a la hora de trazar parámetros de conducta, recurriendo a la esencia misma de grandes humanos de lucha y honestidad para comprender un poco mas el devenir de nuestra Nación.

Y en ese tan arduo derrotero de intentan entender quienes somos y porque nos sucede lo que nos sucede, existe una obra que podrá brindarnos señales de entendimiento.En la misma prepondera un antagonismo letal, de dureza visual y sombría de un lado, y de soledad y estoicismo por el otro.

"Asesinato en el Senado de la nación" nos brindara una óptica que jamas tuvo fin alguno.
.La eterna contienda contra el poder imperialista y sus lacayos seculares, parte del elenco estable de la debacle y ponderadores del estilo Europeo, a costa de desangrar una tierra fértil y agradecida.
La historia se centra en un acontecimiento político y social ocurrido en la Argentina durante el inicio de la década del 30. El diputado santafecino Lisandro de la Torre denuncia en el Congreso el negociado de las carnes argentinas con Inglaterra, viéndose reflejado el fraude que se cometía en aquella epoca por parte de los Conservadores, las torturas y malos tratos que recibia parte del especro social por la policia a cambio de información, y el doloroso epilogo que marca un tristemente celebre acto de cobardía hacia lo institucional.

Para comprender el momento y acciones, el vicepresidente Julio Argentino Roca (hijo) firma en 1933 en Londres el Pacto Roca-Runciman que ampliaba la cuota de exportación de carne vacuna al Reino Unido y sus colonias, pero establecía que el 85% del total de las exportaciones debía realizarse por medio de frigoríficos británicos
En 1935 Lisandro de la Torre inició una investigación sobre el comercio de carne, puesto que en el marco del Pacto Roca-Runciman esta actividad se encontraba sospechada de corrupción.La investigacion en cuestión, que ponia de manifiesto el terrible conchabo comercial de traidores a la nacion, tuvo un alto precio de pago, demarcando con creces la historia de dependencia y sometimiento a la que nos han encausado diversos lineamientos políticos y gubernamentales.

Y el el film, Lisandro, de origen Aristocratico, pero de criterio Patriotico. Y del otro lado, un comisario retirado, mano de obra barata del residual de siempre, matón a sueldo representando lo mas inescrupuloso y violento de una sociedad que caminaba hacia la nada, en la llamada "década infame".

Ambos bandos demostrando el raudo caudal de posturas y decisiones, focalizando el film en la investigación de De La Torre tras la firma del fatídico pacto y en la vida de quien luego intentará asesinarlo, siguiendo ambos relatos hasta el final ya conocido.

El pulso narrativo de excelencia, de oscuros planos y de valores morales explícitos, convierte este trabajo en uno de los máximos exponentes del cine Social y político Argentino, dirigido por el experimentado y comprometido Juan Jose Jusid, musicalizado por Baby Lopez Furst, generando una banda sonora de excelencia e interpretada por un seleccionado de la actuación nacional.

Miguel Angel Sola, dando vida a un despótico ex policía en una actuación de antologia. Marta Bianchi como una regente de Burdel de excelente participacion, el gran Villanueva Cosse, de estampa y jerarquía, y como el Lider Demócrata Progresista, como la replica viva del inmenso De La Torre, Pepe Soriano, de calidad actoral ancestral si las hay, brindando el rol justo y convincente a semejante obra.

Es sumamente importante que nuestros jovenes vean realizaciones de tamaña Magnitud como la realizacion de Jusid.
.Aquella importancia se rebela a través de resescubir los valores,y conocer actos supremos de personas que se han jugado entero por el bien de nuestra tierra y los conceptos de la misma .

Lisandro de la Torre fue un Héroe solo.
Un quijote en tierras de negociados y desesperanzas.
Un inmenso que predicaba con su ejemplo, que tenia algo que decir mas allá de su Magnanima oratoria.

El decia Libertad! en cada acto de vida.
Poco tiempo despues del fatidico Magnicidio,el gran lider politico decide Suicidarse,por no poder luchar mas contra los monopolios de los poderes dominantes.

Necesitamos mas Lisandros y mas Bordaveheres en nuestro devenir.
Y menos Valdez Coras de individualismo, oscuridad e incoherencia,bufones exactos del maldito poder global.


SER DIGNO DE SER.LA REDENCION DE LA DIGNIDAD.

Ser digno de ser (vete y vive)(Va, vis et deviens)2005
Analisis y comentario Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

Los postulados religiosos han marcado de forma inexorable el transitar de nuestra raza.
Diversos modos y formas aglomeran lo conocido como Fe, para bien o para mal, en simbolismos muy lejanos de nuestras realidades, ls cuales hacen mella de forma directa, y en algunos casos, sirven para salvar vidas.

Aquellos símbolos de modo profundo y fuerte, se encuentran en este trabajo, que tan solo es superado via conceptual, a traves de mostrar uno de los valores mas grandes que poseemos: La dignidad.
Ese valor de trascendencia por antonomasia, se va desarrollando con tinte justo y expresión certera, a lo largo de este eximio trabajo, reforzando la lucha a través del siempre ponderado amor, mediante herramientas justas y coherentes ante el dramatismo de situación.

Gracias a una iniciativa del Estado de Israel y de los Estados Unidos, entre 1984 y 1985 se lleva a cabo una amplia operación para trasladar a miles de judíos etíopes denominados Falashas a Israel.
Una mujer Etíope, que no es judía, convence a su hijo para que se declare como tal a fin de que pueda huir de la miseria. Cuando el niño llega a Israel, dada su condición de huérfano, es adoptado por una familia judía francesa que vive en Tel-Aviv. Asi transcurre su infancia atemorizado ante la posibilidad de que se descubra su doble secreto, su doble mentira : no es ni judío ni huérfano, sólo es negro.

Ser negro:Consideracion Dantesca para un amplio sector humano, bandera de racismo extremo que mora hasta en el seno mas intimo de las diversas religiones.

Desde el film concebido por el gran director Rumano Radu Mihaileanu,se pone en evidencia aquella condición nefasta de desintegración y marginacion hacia la persona de color,Transitando nuevamente los costados más oscuros y paradójicos de la condición judía.
Judios Etiopes descendientes de la Reina de Saba y del mismísimo Rey Salomon, marginados en extremo y perdidos en gigantes Sabanas territoriales, que son tenidos (casi) en cuenta cada vez que determinados países requieren de golpes de efecto publicitarios para levantar el target de construccion de la verdad "como los salvadores y precursores de la libertad y la justicia".

En un marco particular el transitar de la obra de Mihaileanu inscribe un caso imaginario, que le sirve para acentuar ese desgarro entre lo soñado y lo real, entre lo mítico y lo existente, entre lo propio y la pregunta sobre lo propio.

En el rol de Shlomo niño, el pequeño Moshe Agazai integra inmejorablemente su encrucijada, segmentada entre la añoranza por la pérdida de madre y tierra, la sensación de desamparo, el violento choque de culturas, la complicadísima adaptación (con muestras de racismo, intolerancia y barbarie con que lo reciben en Israel) y el empuje vital que lo lleva indefectiblemente hacia adelante.
Es clave el aporte de la magnífica Yaël Abecassis en el papel de la mamá sefardita de origen francés, que lo adopta en Tel Aviv. Algunas pinceladas de humor, por cierto muy logrados, ayudan a aliviar la densidad del asunto.

El concepto del "vete y vive" aplicado con desgarro absoluto por una madre que prioriza marcar un nuevo horizonte para su hijo mediante una dramática desicion, y el ocultamiento de una realidad religiosa que no se pone de manifiesto por temor al rechazo y al juzgamiento, son piezas claves para entender esta obra maestra, que aglomera las situaciones sociales y su rostro de hipocresía y falsedad, los ribetes politicos que siempre dan vuelta alrededor del devenir de vida de los pueblos, y la cara siempre visible en trabajos de reflexión, de los seres humanos, mas perdidos que encontrados, a la hora de constituirse como "seres dignos de ser"

https://youtu.be/x_5q7Tb8EnU

MADE IN ARGENTINA.BUENOS AIRES, UN EXILIO,QUIENES SOMOS Y COMO SOMOS.

Made in Argentina(1987)
Comentario y Analisis Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

El Exilio.
En el sentido Biblico, el exilio es el castigo que sufre el pueblo hebreo por no escuchar a Dios a través de diferentes profetas y por entregarse a la idolatría y al pecado que lo distanciaron espiritualmente del Señor.

En el social, converge desde el hecho de encontrarse lejos del lugar natural (ya sea ciudad o nación) debido a la expatriación, voluntaria o forzada, de un individuo mientras que alguna circunstancia, generalmente por motivos políticos,​deniega explícitamente el permiso para regresar por amenazas de cárcel o muerte.

También puede suceder que el exilio sea voluntario, y que se desarrolle desde una desicion que posea connotaciones de severo dolor y frustración en un lugar, y se tome la desicion del destierro del mismo de modo natural y consensuado.

El trabajo que proviene de la pluma maestra de una gran escritora como Nelly Fernandez Tiscornia, llamado "Made in Lanus" nos adentra a las dos facetas de la cuestión a tratar, y el desarrollo y consecuencias de las mismas.

La historia nos muestra el devenir de Osvaldo y Mabel, un matrimonio Argentino exiliado por razones políticas en Estados Unidos, que viajan a su país de origen después de diez años para reencontrarse con sus familiares y amigos,entre ellos el hermano de Mabel y su esposa.
Mabel le ofrece a su hermano la posibilidad de trabajar en Nueva York con el objetivo de mejorar su situación económica,generando la propuesta un conflicto entre el matrimonio.

La realidad Argentina de aquellos momentos de finales de los 80,no difiere mucho con la del tiempo actual.

La idea siempre latente de "Irse", no sólo por ideologías sino simplemente por querer conseguir un progreso fuera de nuestra región, puesto que resulta difícil y casi imposible el desarrollo humano y económico, desde la consideración y visión de un sector social que se descubre fascinado ante las "mieles" foráneas y conspicuas comparativas de ejes culturales y financieros.

La eterna disyuntiva de atravesar estos eternos dilemas.

El film procede a mostrarnos las posibilidades de querer y no querer volver o querer y no querer irse apegándose a cada una de las realidades construidas mediante el devenir de vida de cada uno de sus personajes.

En un reportaje le preguntaron al director de la obra porque no titulo la misma con su nombre original, y el contestó que como iba a competir en el extranjero prefirió poner "Argentina" en vez de "Lanus" para que el publico ubique mejor donde acontecía la historia.

Y el acontecer de la misma,es la mismisima Aegentina retratada en sus personajes.
Nos colocara como casi ningún otro trabajo por delante el espejo que reflejara cada uno de nuestros modismos, de nuestra intrínseca idiosincrasia, a través de los lugares comunes que encontraremos a lo largo de la realizacion.

En la misteriosa Buenos Aires, parafraseando la gran novela de Mujica Lainez, siempre hay un bar, una pizzeria, un amigo, un profesor para visitar y el acto confesionario declamando quienes somos, a través de la niebla de las confrontaciones y las contradicciones.

Sin lugar a dudas, este film representa una de las mas grandes obras filmadas de nuestra amada cinematografía.
La cadencia y el cariz justo.La melancolía, el arrebato, el chiste y el ponderar lo que no se posee, rasgos característicos de sociedad, son retratados con coherencia y ductilidad.

Y en el trabajo visual,tambien se manifiesta Eladia.
La de Buenos Aires,de la pasion y el sentimiento.
Marcando una constante de amor real,en su canto y en sus versos.

Juan Jose Jusid, con temple maestro, gran hacedor de realizaciones de la dimension de"Los Gauchos Judios" o la enorme "Asesinato en el Senado de la Nacion", toma la direccion de esta puesta en escena costumbrista, generando escenas admirables.

Marcar tiempos y ritmos actorales no es tarea sencilla,y el director los conduce de modo inteligente, ademas de demostrar su capacidad para generar tramas narrativas, que aunque parezcan enredadas, no son más que un mero reflejo de la actualidad,aquellas que el director con buen tino buscó para que el espectador se viera identificado o hallara alguna situación similar para lograr meterlo en la historia.

Su elenco es de suma relevancia, marcando momentos de antología Cinematografica.

Desde la melancolía de Luis Brandoni, pasando por el Charme sin desactivar el contacto con el barrio mismo de Marta Bianchi, hasta el entrañable personaje llamado "El negro" asumido por el inefable Patricio Contreras, hasta el ancla real que simboliza la inmensa Leonor Manso, conducen esta obra de excelencia que trasciende los tiempos y nos deposita en un análisis reflexivo y profundo.

Aquella Ancla real que hacia mencion, tal vez sea uno de los puntos mas maravillosos de este trabajo.
La misma se desarrolla en "la Yoli", mujer humilde y sencilla, de pocas palabras, de pensamiento concreto.

Ella es la representacion de la memoria popular.
De aquello tan indispensable y necesario como son el arraigo a nuestras raíces.

Esas que están tan en jaque en todo momento, esas que son vituperadas por modismos y costumbrismos foráneos.
Ella es la pequeña voz de los nadies, de la plena soberanía, de la patria misma de lucha y sensibilidad.

Representando el silencio de miles.
Constituyendo un severo cable a tierra efectivo y letal, recordándonos en breves minutos, quienes somos y por que somos como somos.

Link para ver el film:
https://youtu.be/_4neRC3RySw

VOLVIENDO A CASA.lOS RECUERDOS Y EL AMOR AL FILO DE LA IMAGEN.

Volviendo a casa (coming home) (2014)
Comentario y Analisis Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

La amnesia es aquella pérdida total o parcial de la memoria que impide recordar o identificar experiencias o situaciones pasadas.

Esa situación poco fortuita, bloquea en muchas personas y por diversos motivos,momentos exactos vitales, y en muchas oportunidades, los sistemas de gobierno colaboran consternando al transitar comun de miles de personas, generando con turbios e imperativos modos, la separación y disgregación de familias enteras.

El disparador que cierra compuertas del interior, sometiendo a la imposibilidad del recuerdo, y por ende, al no logro de establecer una normalidad sentimental, es lo que se demarca profundamente en este logrado trabajo del Cine Oriental, dentro de una Pekin misteriosa, silenciosa, candente y estructurada.

"Volviendo a Casa" relata la historia de Lu Yanshi, quien es liberado al finalizar la Revolución cultural China. Cuando regresa a su hogar, descubre que su esposa sufre de amnesia; no lo reconoce y continúa esperando el retorno de su esposo sin darse cuenta de que el mismo, está a su lado.

La raiz argumental trae a consideración los hechos que con progresión se sucedieron en el lejano pais. y nos muestra con dura visión las consecuencias que generan los modos arbitrarios en una sociedad.

La revolución China, fue un movimiento sociopolítico que aconteció en el país en cuestión desde 1966 hasta 1976. Iniciado por Mao Zedong, entonces líder del Partido Comunista Chino, Su objetivo era preservar el Comunismo Chino mediante la eliminación de los restos de elementos capitalistas y tradicionales de la sociedad China, y reimponer el pensamiento de Mao Zedong (conocido fuera de China simplemente como maoísmo).
Este movimiento genero la separación de familias, el desarraigo de muchas personas de sus localidades de origen, para así colaborar con aquella supuesta "reconstrucción" idealistica, que constituyo muchos pesares en la población oriental.

En un marco de espera se desarrolla el film que se detiene en una fuerte y dolorosa historia, sencilla en su estructura, tan minimalista como profundamente emotiva y colmada de significativos detalles.
Una historia de amor, que marca el carácter atemporal del sentimiento más caprichoso y conductivo que existe.

Siempre los entornos políticos generan el desarrollo de nuestros destinos.Son como pergolas de armonía o Dantescos infiernos circulares, determinando por cuenta propia y modos abyectos( como en la situacion del film) el acto vital generando hasta profundos hechos traumáticos, físicos o mentales, con el dolor del tiempo perdido o arrebatado por decisiones conspicuas que tan solo mejoran el ciclo vital, a sus organizadores.

Zhang Yimou, su director, simboliza el aire fresco y nuevo para el cine Chino, quien posee en su haber obras de integro arte como" Sorgo Rojo" "La linterna roja" o la inmensa "Vivir!," todos trabajos multipremiados.
Una de sus particularidades como cineasta es lograr dar un rol integro y fuerte a cada protagonista femenina, y su destacada forma de demostrar una gigante evocación fotográfica,espléndidos montajes desde minimos textos y la forma alegórica con afán de crítica social.

Gong Li, protagonista en esta obra, ejerce el rol a cumplir sin artificios ni sobreactuación.
Los rasgos expresivos que se revitalizan a traves de un suceso siempre sostenido, demarcan su constancia y grandeza actoral,secundada por un extraordinario Chen Daoming, que conmueve mediante la situación que atraviesa y su proceder.

El Cine Chino posee grandes joyas reflexivas, en contextos duros, desolados y misteriosos.
Pero a la hora de relatar pesares universales posee una singularidad diferente, que nos acerca hacia aquello que nos reflejara, sin patrones de diferencias culturales.

"volviendo a casa" no es un simplista melodrama mas,en la realizacion convergen el escape, los recuerdos, y el mismísimo amor al filo de la imagen.

Al filo de los tiempos,estos trabajos son imprescindibles para comprender un poco mas por donde continuar.


LA HISTORIA OFICIAL.EL RESIDUAL DEL DOLOR Y EL OSCURANTISMO.

La historia Oficial (1985)
Comentario y Analisis Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

Las apropiaciones ilegales de niños forman parte de un ciclo muy oscuro de nuestra historia.
Y en los años de recuperación del sistema democrático, miles de casos fueron puesto a la luz directa, descubriendo lo macabro del proceder de un sector social que se situaba y conformaba el antagonismo mismo de los derechos de humanidad y libertad.

"La historia oficial" procede con fino pincel, a descubrir un fresco Macabro y Dantesco del desarrollo social que angustio y quebró a miles de familias, disgrego las libertades personales y genero un profundo marco de terror en nuestra tan dividida sociedad.

Pasaron mas de 30 años del estreno de este film, pero su condición estructural, las diversas situaciones que se generan en el mismo, poseen candente actualidad, con escenas que podrían representar un presente a traves de personajes que generan dudas, estafas,quienes son parte de nuestra a veces inverosímil realidad.

Su entramado aborda un punto crucial: inocencia de la sociedad dentro de un film que por diversas razones, ha quedado fijada en los estudios sobre cine argentino, y también dentro del campo más amplio de la crítica social y cultural,como el exponente por antonomasia del contexto del retorno democrático anteriormente citado.

En aquel 1985, momento del estreno de la obra,comenzaban las audiencias del juicio a los comandantes que habían estado al frente
del gobierno durante la dictadura, procesados por violaciones a los derechos humanos.

El relato de la película se centra en la vida de una profesora de historia de un secundario en el año 1983, que poco tiempo después de haberse restablecido la democracia argentina comenzará a tomar conciencia de una de las etapas más oscuras de la historia de nuestro país, en la cual sospechará de la verdadera cara de su marido y tomará contacto con la realidad.

Más allá del mérito de haber contribuido a visibilizar la tragedia argentina a nivel internacional en un momento en el que esto era necesario y haber obtenido la estatuilla Oscar a la mejor película extranjera y diversas menciones alrededor del mundo, La historia oficial fue considerada como una película comercial bien filmada, portadora de una visión simplista del pasado, sin el desgarro visual que contiene la inmensa "garaje Olimpo" favorecida por el maniqueísmo de situaciones,personajes, y en la que la apelación a lugares comunes y recursos emotivos obturaba una discusión genuina sobre lo que acababa de suceder en los años previos.

Pero de contraste mismo con determinadas criticas,la obra de Luis Puenzo expone diversas facetas de la complicidad civil con la dictadura, desde la complicidad empresarial motivada por un interés económico inherente al mundo de grandes negocios entre funcionarios, militares y ejecutivos extranjeros por el que se mueve Su protagonista, hasta el comportamiento cómplice de la iglesia y también la complicidad desde aquel concepto de negación social.

Con su calidad Cinematografica, planos cortos y medios excelentemente trabajados, con interpretaciones antologicas y el simbolo sonoro ideado por Maria Elena Walsh en varias secuencias, la obra en si, mas alla de profundidades o consideraciones de valor o sobre valor, convoca al conocimiento y al toma de conciencia del pasado mas funesto, resultando un aporte mas que importante para que lo tan doloroso, no vuelva a suceder.

La suma actoral, de modo magnifico y con roles precisos y arteros, llevan al film a puntos de verdadera emotividad.
Hector Alterio, Norma Aleandro, la versatil niña Alicia castro, y tres primerísimos actores de breves roles pero efectivos y claves, como lo son la hermosa Chunchuna Villafañe, El gran Hugo Arana y el actor de actores, el señor Guillermo Battaglia, logran generar los climas en escenas duras, con la condición de sabiduría y oficio pleno.

El rasgo investigativo que también contiene este trabajo, nos guiara a descubrirnos nuevamente y sentir el reflejo de nuestro ser a través de conformarnos como hacedores de nuestra sociedad, apelando a que nunca mas, ninguna Gaby posea la tristeza y el dolor de no poseer una identidad propia.

Un relato imprescindible.
Mas allá de lo oficial.

CITIZEN KANE. EL PODER DE LA IMAGEN, EL DESAMOR Y LA CONSTRUCCION DE LA VERDAD.

Retro clasico de excelencia.
Citizen kane (El Ciudadano)(1941)
Comentario Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

Que se puede manifestar de diferente que ya no se haya dicho o escrito a través de tantos años  de un trabajo de la magnitud de este film?

Que de novedoso se podría descubrir a la hora de generar un interés hacia la obra?

Mas allá de contar en su haber innovaciones de técnicas de filmación, o del caracter supremo de sus actores y lo que mayormente conocemos del trabajo,siempre hay algo que descubrir a traves de lo analitico,cuando una obra posee un tamaño altísimo de relevancia y se mantiene estoica mediante el transcurso de los años.

"Citizen kane" y  sus virtudes incondicionales, que posee una estructura, un simiente letal que nos reflejara aquel sentimiento anacrónico al amor: El mismísimo desamor.

La historia relata la vida y el legado de Charles Foster Kane, basado en el devenir del magnate de la prensa William Randolph Hearst.
La carrera de Kane en la industria editorial nace del idealismo y del servicio social, pero evoluciona ( o involuciona) gradualmente en una implacable búsqueda de poder.
Narrada principalmente a través de flashbacks,el relato se cuenta desde la investigación de un periodista que quiere conocer el significado de la última palabra que dijo el magnate antes de morir, Rosebud.

Centro, arte y parte del enigmático relato.
Rosebud.

El paradigma del "quien es" y el "que es" tan buscado por guionistas y directores a la hora de generar intriga e interés en el espectador.
Pero el ciudadano posee tantas diversas aristas del proceder humano, sus vetas de altruismo, debilidad, prejuicio y poder desmesurado, que hasta eclipsa el concepto del "misterio hasta el final".

Tal vez este trabajo haya sido la piedra basamental del cine independiente.Con una paradoja marcada, puesto que un estudio como la R.K.O Pictures, brindo la total libertad de expresion al rodaje de tan controversial cinta, cuando se erigia como cabeza reptesentativa de la industra que monopolizaba casi toda las producciones mediante reglas estrictas y procederes colmados de altruismo.

"El Ciudadano"a traves de su excelente rodaje, hace evidente y desnuda el mas severo sistema Capitalista y su consecuencia en una representacion simbolica como la de Kane.

Un instrumento de la construccion desbocada y absolutista.De la pobreza a la gloria economica por un hecho fortuito que no dejo de hacer mella en su figura, pese a todo lo que se erigía a su alrededor.

El poder de la imagen se representa con peso Magnanimo, baluarte preciso del trabajo.
La calidad de ellas se agigantan a traves de los diversos cuadros que son de real antologia, generando una usina de arte que continuan siendo consultada por cineastas de todo el mundo, y admirada por cada una de las personas que poseen la oportunidad de observar esta realizacion.Las mismas no disminuyen con el paso de los años, sino que ganan en intensidad y misterio.

El enigma candente y latente da paso a comprender quien es su protagonista, director y co guionista de esta multipremiada produccion, Premio Oscar al mejor guion original.

Orson Welles es firme timon que lleva adelante el derrotero de lo diferente y denunciador.
Con 25 años y sin conocimiento alguno de dirección cinematográfica, pero con un logro radial como "guerra de los mundos",aborda con una innata majestuosidad algo diferente, con un carácter digno de admiración.

Quien es esa joven actor que defraudo a los mercaderes de la economía pero que genero que la crítica de todo el mundo, año tras año, generación tras generación, aclame la película como una de las 10 mejores de la historia del cine?

Quien fue Kane?
Una cristalera en medio de la tormenta?
Un humano frente a una inmensa chimenea?
El poder del periodismo y la construcción de verdades, mas allá de las interpretaciones hacia hecho fortuitos o no fortuitos?
O que intento ser el joven Orson, el de devenires Shakespirianos?

...Se deberá observar su histrionismo para comprender quien resulto ser Welles dentro del espectro de Kane...

La potente calidad fotográfica de Gregg Toland, otro de los genios que conducen la tecnica mas alla de lo imaginable, porta la corona del legado de el arte visual, escuchando a Welles, interpretando como nadie su vision secular de imagenes que corrian por su intrincado cerebro.

Finalmente comprenderemos que los fragmentos del pasado y su mezcla con el presente no están regidos por una secreta unidad, sino simbolizados en un controvertido personaje que tan solo, buscaba amor...

Pese a que la mentira será la defensa más consistente de Kane frente a un mundo gris e implacable, alli, en el ocaso, estaba la esencia de su busqueda, el motor que jamas pudo encender.

Alli estaba Rosebud.
Como estoico guardian del sentido humano y su trascendencia.

AMOR. LA TRASCENDENCIA DEL REAL SENTIR.

Amor(amour) 2012.
Comentario Cinematografico.
Por Hugo Bertone.

Que es el amor? Hasta donde llega ese tan mentado sentimiento muy mencionado y tan poco practicado? Estamos dispuestos a resignar el placer propio, en pos de brindarnos por completo hacia nuestro opuesto complemento?

Preguntas de reflexión profunda son las que abren el abanico de sensaciones que propone este trabajo, en tiempos que se menciona esa palabra casi por deporte, esa maravilloso termino verbal, tan solo adorna los contextos mundanos generando a través de su contenido, miles de acepciones que terminan siendo poco congruentes con el significado pleno de lo que genera el sentir en si.

He aquí el decálogo de la profundidad del sentimiento hecho imagen.
El amor es un tema universal, quizás el mas dirimido, buscado e incomprendido desde el contexto que se presente.
Mora en todos nosotros,con sus dolores y tortuosidades, con sus pesares y sus luces, pero esta vez sera remitido al exacto canal de analisis propuesto por su realizador, mediante una idea austera y digna de admiración.

La trama gira en torno a una pareja de ancianos, Anne y Georges,profesores de música clásica, que viven juntos en un apartamento en París. Anne es sometida a una operación que le provoca una hemiplejia derecha, debiendo ser cuidada por su marido.El amor se refleja en su expresión máxima, y el hasta que punto se puede brindar el mismo como planteo primordial.

La cámara sigue lentamente el desarrollo del tiempo vital de los adultos mayores, reflejando momentos dolorosos, incómodos, dramáticos pero cargados de ternura y devoción, hasta el punto de desarrollo final, que resultara sorprendente.

Su dirección esta realizada por uno de los mas grandes directores de la actualidad del Cine Europeo.
Michael Haneke(Funny games - La Cinta Blanca) que vuelve a brindar las pinceladas justas y caoticas en un lienzo visual austero y cargado de realismo.
Su estilo es sombrío, turbador e inquietante y sus realizaciones suelen tratar problemas de la sociedad moderna causando casi siempre controversias .que marcan acerrimamente el reflejo del espejo social y sus miserias contenidas.
En planos largos y fijos, con fundido en negro dividiendo segmentos fílmicos generando un halo reflexivo, ha logrado una maravilla del séptimo arte, no fácil de digerir pero con una intempestuosidad del retrato de lo real digno de su sello fílmico.

Dos grandes de la escena europea, encarnan maravillosamente la obra multipremiada y Premio Oscar a la mejor pelicula,alla por 2013.

Jean-Louis Trintignant, un referente fundamental del cine Francés, en el rol del anciano abocado al reflejar el incondicional amor hacia su compañera, pese a su irascible carácter y su vehemencia explicita.
Emmanuelle Riva, la actriz y poetiza, maravilla femenina de Hiroshima Mon Amour, representando un papel sentido y cadencioso, reflejando los estragos que genera un proceso de salud lento y destructivo.
Ambos son el paradigma de la actuación concreta, sumiéndose a la realidad absoluta sin medias tintas y capitulando con creces cada paso actoral.

...El anciano, le relata a su esposa una historia de joven haciendo mención a una película que no recuerda, ni tampoco recuerda el nombre del amigo que lo acompaño a verla, pero recuerda si,lo conmovido que estaba luego de ver el film y lo enojado que se puso a través de la critica del amigo en cuestión...

Tal vez ese sea el honesto mensaje que regala esta obra.Siempre recordaremos los sentimientos a través del tiempo, y que llevaremos la luz que ellos emanan en los finales momentos de nuestro existir.

A pesar de todo lo trágico, en el mundo existe el Amor.

y esta obra muestra a la perfección el verdadero sentimiento,mas allá de los triviales tópicos que encuadran el sentir en estos modernos momentos..

Hombre mirando al sudeste.El renacer del concepto cinematografico.

Hombre Mirando al Sudeste(1986)
Comentario Cinematográfico.
Por Hugo Bertone.

Existe una temblorosa linea establecida entre la realidad y la ficcion. Aquellas delgadas formas que surgen entre la demencia y la locura.
Lo ficcionado pasa a tomar un cariz preponderante en lo real, extrayendo lo analítico y lo sentimental, en un carrusel de sensaciones amargas y felices, para dar paso a lo conductivo y consecuente que sucede siempre, o casi siempre, en la estructura social que habitamos.

Esos devenires posee este alegato marcado y fundamentado desde el marco sombrío y cadencioso de una institución Mental tradicional de nuestro país, y las conductas tristemente celebres que se ejecutan hacia los internos del mismo.

Humanos transitando un existir colmado de matices oscuros, dentro de la antesala del infierno tan temido.

Hasta que de tanta oscuridad, procede la aparición de alguien que con forma humana, intentando conciliar aquella tan perdida forma de solidaridad y entendimiento hacia el prójimo.

"Hombre mirando al Sudeste" relata la historia de un hombre llamado Rantés,que aparece en un psiquiátrico proclamándose extraterrestre llegado para estudiar a los humanos.
Poco a poco acaba por llamar la atención de uno de los médicos que intenta ayudarle y averiguar su identidad, de la que no existe indicio alguno.
El medico en cuestión se muestra escéptico sobre esta historia pero el misterioso personaje irá introduciéndose en su vida, haciéndolo dudar de si realmente está loco, con lo que, sutilmente, lo obliga a replantear su vida y profesión.

Alejándose por completo de cualquier parafernalia cinematográfica extraterrestre, el drama resulta ser reflexivo ,especialmente en las conversaciones entre el doctor y su paciente, que revelaba la inmadura naturaleza humana y lo mucho que tiene que aprender cuando se enfrenta a lo que no puede entender ni controlar.

Mas allá de influencias marcadas por el gran film"Atrapado sin salida" o las referencias literarias a Cortazar( el nombre del medico, era el seudónimo del gran escritor) y a Phillip K.Dick( el nombre de la Santa, Beatriz Dick, también casi una Beatrice del Dante en el film) o el modo técnico y lumínico que impulso Alan Parker en varios trabajos intimistas de su factoría que generaron escuela, esta obra posee el símbolo, el sello del camino que su director tomo a través de mostrar como nadie el mundo de los psiquiátricos y sus problemáticas,en su primer vinculo con estos intrincados avatares.


Eliseo Subiela construye desde el primer momento a traves de su vision maestra, una obra que se adentra en la busqueda de las apagadas luces internas, la investigacion como mision de Rantes de la "estupidez humana" a traves de un impecable texto construido con sus pesares y esperanzas, poniendo de manifiesto la concepsion social tan mezquina hacia el diferente o el encuadrado por la terminologia "loco".

Esta obra aun en la actualidad se toma como elemento de discusiones en materia de Psiquiatría sobre los métodos de diagnostico, medicación, problematica asistencial enfermedad mental y reclusión con perdida de libertad, entre otras gamas del cuestionamiento terapéutico desde el núcleo central de su trama, la relación Medico - Paciente, que pone de manifiesto las teorías Foucaulteanas en la palestra de su pensamiento.

Hugo Soto como un Rantes que cuestionara toda la estructura humana de pensamiento, modos y educación, dando una cátedra actoral mediante su pragmatismo, ajustandose al rol desde lo verbal y físico.
El inmenso Lorenzo quinteros como el Dr.Denis, qien remueve el baul interno a través de conocer al misterioso paciente, llegando a limites de replanteo y controversias de vida profundas y consternadas.
Y el rol femenino recae en Ines Vernengo, quien de maravillas constituye un personaje extraño y colmado de misterio.

"Hombre mirando al sudeste" es un símbolo letal de los queridos y complejos 80´.
Revitalizo la cinematografía con una concepción independiente y diferente.
Aquel planteo de libertad y de cuestionar los paradigmas nefastos y vacíos que el sistema propulsaba, genero en miles una visión mas profunda y comprometida hacia las causas de preponderancia.
Las causas humanas, desde conceptualizar un personaje de otra galaxia como el real humano, en el criterio de los ficcionado y sus verdades absolutas, y el rol inerte del "humano tan humano", parafraseando a otro Rantes, pero Alemán, ácido, y del pensamiento filosófico hecho escritura.

"yo no quiero que me cure, quiero que me entienda" esboza el misterioso ser al ya cansado y vacio medico, en una ampulosa y fria sala de hospital.

En esa frase se resume el espiritu del film.
Menos cura, y mas entendimiento mediante el hilo conductor denominado amor.
El mismo amor que el errante interno psiquiátrico profesaba por los demás desde una supuesta locura como percepción inhabitual de los hechos.

Y el deseo firme que Rantes, sea extraterrestre...


Narcisin:La Metamorfosis del hombre de las mil caras.


Homenaje a Narciso Ibañez Menta.

Por Hugo Bertone.

El miedo es una alteración del ánimo que produce angustia ante un peligro o un eventual perjuicio, ya sea producto de la imaginación o propio de la realidad.
Esa sensación que nos produce temor precisamente no se reflejaba en quien de modo iconico, se lo considera arte y parte necesaria, a la hora de definir su faceta relevante por excelencia en el quehacer actoral dentro del genero denominado "terror".

Porque Ibañez menta, fue mas allá de un encasillamiento de genero,a través de su mas que importante aporte a la cultura mediante sus obras cinematográficas y televisivas.

El no fue "Terror"
El fue representación exacta y clara del amor a la actuación y sus diversos senderos.

Narcisin fue un niño prodigio.
Que cantaba, bailaba e interpretaba.
Los algidos años 20´ lo trajeron hacia nuestras tierras, dejando su Asturias natal en tren de descubrir nuevos horizontes.
Fue tan exitosa su misión, que las giras por el mundo no le dieron respiro.
Recalo así en los Estados Unidos donde protagonizo Amor y deporte, su primera película, sin llegar a concretar otros dos proyectos debido al régimen de inmigración del gobierno de Hoover.

El niño prodigio se estaba alejando para dar paso al actor.
Su extrema admiración por el actor Lon Chaney, lo condujo a aprender y perfeccionarse en el arte del maquillaje y la caracterización, logrando con precisión sumar tecnicas y posturas particulares a la hora de la construcción de personajes.

Su primaria lucha fue la de vencer el estigma del precoz niño actor, e intentar dar paso al carácter que requiere la evolución compositiva de roles en el oficio.

7 horas diarias frente al espejo resultaban convertirlo en "El Fantasma de la Opera" que el publico teatral, entre azorado y temeroso, aplaudio a rabiar, en el antiguo teatro Femina.

No poseía raíz Argentina, pero se sentía como tal, adorador de nuestra tierra y representativo de la actuación seria y decidida.

Con su modo cordial de caballero sempiterno,se dedico de lleno a mostrar producciones de la talla del Fausto de Goethe,o Muerte de un viajante de Arthur Miller, o Manos sucias, de Jean-Paul Sartre, Además de éxitos rotundos como El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, de Robert Louis Stevenson y El fantasma de la ópera, de Gastón Leroux.

Carril conductor directo de la cultura universal,Narciso, inyectando la dosis efectiva de su estilo diferente.

Del proceso creativo de su derrotero da vida misma a dos personajes significativos de nuestra trascendencia, dos arquetipos reales y concretos.

Uno fue personificar al inmenso poeta y educador Pedro B.Palacios, en la maravillosa "Almafuerte".

Otro fue ingresar en el rol de William Morris, el hacedor de felicidad a través de sus emprendimientos que ayudaron a tantos niños desposeídos, en una de sus máximas labores.
"Cuando en el cielo pasen lista",muestra a un actor desarrollar su capacidad interna de conducirnos a la ternura que tanto merecemos y al conocimiento de referentes que tanto necesitamos.

En esas eximias producciones, no moraba el terror o lo misterioso.
Y esas cartas de presentación son tal vez el gran legado que nos dejo aquel príncipe de la actuación.

Luego el advenimiento de la Televisión lo consagra en la misma como referente exacto del misterio mediante la representación de los clásicos del estilo.
Grandes éxitos protagonizo tanto en nuestro país como en su regreso a España, incursionando en la modalidad que brindaba el sistema.
Podría citar muchos ejemplos de obras que en una veintena de años lo tuvo al primer actor como puntal fundamental ,piedra Filosofal del entretenimiento con contenido.

Pero vuelvo a hacer hincapié en lo que el mismo pretendía.

La figura de Narciso Ibáñez Menta está fijada en el imaginario popular, como el representante mas importante de ciclos televisivos de terror y suspenso.
El actor siempre reclamo,y muy especialmente en sus últimos años de actividad artística, que se lo recordase además por su extensa trayectoria teatral y sus papeles fuera de aquel estereotipo.

Don Narciso arribo al arte escenico no para generar estereotipos,si no para derribarlos...

Fue uno de los primeros artistas en ganar el Premio Martín Fierro.

En 1981 recibió el diploma al mérito de la Fundación Konex como uno de los cinco mejores actores dramáticos de radio y televisión de la historia argentina.

Un tórrido Mayo de 2004, a los 91 años,una enfermedad terminal se llevo todo el arte en su conjunto hacia otros caminos.

Narcisin pudo crecer y darse a conocer.
Fue espectáculo.
Cadencia.
Luz entre las sombras.
Metamorfosis artera y mil caras profundas.

Llego a ser Narciso.
El de la mirada profunda y tierna.

No abras nunca esa puerta.El bien, el mal y los caminos que se juntan.

Retro Clásico de excelencia No abras nunca esa puerta(1952)

Comentario Cinematográfico.

Por Hugo Bertone. 


Las puertas.

 Concepto simbólico por excelencia que es conductivo de metáforas ante la pretencion de reflejar conceptos de diversos tenores y sentidos.

 Y en este simbolismo que abre de modo raudo este trabajo, de ingreso hacia algo tan simple y a la vez tan intrincado como son las historias humanas, la delgada linea que separa el bien del mal, las ambiciones deshonestas versus las intenciones mas humanas, decantan en una obra que posee señales de excelencia, sobriedad y estilo. 

El policial de suspenso, genero archi trillado en la modernidad cinematográfica, posee una alta riqueza a través de las sensaciones que produce cuando el producto es integro, o nos confina al somero aburrimiento cuando las formulas se reiteran una y otra vez. El mismo se genera a través de de la terminología "Film Noir" muy cercano al criterio del expresionismo, a través de una obra maestra de John Huston llamada "el Halcón Maltes",protagonizada por el pragmático y majestuoso Bogart, expandiendo así un camino que forjo millones de adeptos al estilo. Como aquella épica del policial negro extranjero, nuestra epica, trasciende allende los tiempos, expresando con altitud todas sus virtudes en este increíble trabajo. "No abras nunca esa puerta" nos relata dos fuertes y soberbias historias.

 "Alguien al teléfono" es la primera: un empresario intenta vengar la muerte de su hermana,dentro de un clima cargado de símbolos porteños, donde reconoceremos los tradicionales bares y boites de la época.

 En la segunda,denominada"El pájaro cantor vuelve al hogar" nos relata el devenir de un ex presidiario que silba cuando comete crímenes, y que después de años regresa al hogar donde lo espera su madre ciega,que lo cree regenerado. Basado en dos cuentos de Cornell Woolrich (de seudonimo William Irish) considerado por la critica como uno de los mas relevantes escritores de novelas policiales,el relato resulta mas que inquietante a través del guion adaptado, articulado por el gran maestro Alejandro Casona, quien interpretaba textos para filmes de un modo único y singular. Ambos historias generan intriga y atracción desde sus primeros minutos sin caer en clichés comunes demostrando que el arte, cuando se concadena mediante estructuras trabajadas de una manera correcta , representa lo mas sano de nuestra expresion, infringiendo legados únicos que perduraran a través de los tiempos. 

Su elenco protagonico posee un carácter importante y certero a la hora de establecer roles concretos. Angel Magaña, El gran Roberto Escalada, la Italiana IIde Pirovano, La impactante y hermosa Renee Dumas y un elenco suplementario de inmensa excelencia, dan vida a los diversos avatares de complejidad extrema, con una narrativa de pura elocuencia visual, demostrando un infrecuente dominio del suspenso y cargándola de un denso clima,mostrando secuencias únicas que son ejemplos de lo importante que puede resultar nuestro arte a la hora de generar productos de calidad internacional. 

Y esa calidad lleva la conductiva firma de uno de los mas grandes realizadores que supo generar nuestra tierra. 

Carlos Hugo Christiansen. 

Un Santiagueño que abrió un camino diferente de realizaciones unicas. El Método Christiansen se desarrolla a través del film, en su máxima expresión. Talentoso en retratar primeros planos y planos medios, mostrando con crudeza y realismo las expresiones y gesticulaciones de los actores que representan fielmente lo que requiere el papel,logra abordar este film que demuestra que su estilo llego para consagrarse como formador y ejemplo de la originalidad en el cine. Una de las escenas más logradas por el director es una secuencia que se extiende durante unos cinco minutos, en total silencio y envuelta en sombras. Hiela la sangre del espectador de modo literal, y es una de las mas importantes de nuestra cinematografía. 

Perfectamente fotografiada por el gran Pablo Tabernero y musicalizada por el experimentado Julián Bautista, quien logra maravillas sonoras precisas y contundentes, esta obra debe ser tomada en cuenta por un amplia gama de matices que enriquecerán el conocimiento a estudiantes de cine, y agradara sobremanera a todo aquel que posea la oportunidad de verla. 

Las puertas se abren siempre. A veces para bien, otras para mal. 

Esta puerta intrincada y misteriosa, coloca a nuestro arte a niveles internacionales, ingresando así a un tiempo diferente, retratando el costumbrismo y las vicisitudes propias de nuestras vidas.

El mar de arboles(2015)
Comentario cinematografico.
Por Hugo Bertone.
Hace un tiempo atrás tuve la oportunidad de ver un reportaje que se le efectuo al Director Hugh Hudson, el hacedor de la grandiosa ""Carrozas de fuego"".
En una parte del mismo, relata como la críitica destruyo literalmente aquel film en el pre estreno del mismo.

Homenaje a Zully Moreno.
Por Hugo Bertone.
La belleza es cualidad de una persona, animal o cosa capaz de provocar en quien los contempla o los escucha un placer sensorial, intelectual o espiritual.
Subjetivo razonar en tiempos ambiguos de momentos atemporales y efímeras construcciones.

Una vida oculta.El devenir del espiritu.


Una vida Oculta(2019)
Comentario Cinematografico
Por Hugo Bertone

"Una vida Oculta"es básicamente una historia de aquellos nadies, de personas ignotas que a través de ciertos desarrollos y luchas en su vida, saben acercar un poco mas en tiempos deshumanizados, el concepto mismo y el criterio interno del ser humano, convirtiéndose en ejemplos de conciencia a través de los años y el descubrimiento de sus derroteros y avatares.


Su linea argumental se sitúa en 1938, tras la entrada de las tropas de Hitler en Austria, Franz Jägerstätter se halla solo en su pueblo para luchar contra la fusión de Austria y la Alemania Nazi,negandose a combatir para el Nacional socialismo, pero las consecuencias serán inmediatas, siendo encarcelado en Linz y después en Berlín.


Los ribetes profundos, los replanteos de realidades, espiritualidades y marco filosófico (extraordinaria es la voz en off relatando sentimientos, característica neta y sello del dierctor) conllevan al análisis profundo, que a través de la extraordinaria fotografía (otra marca de estilo del director, de visión especial para componer tomas en locaciones de ensueño) cierran un trabajo por demás excelente,montando la descripción de un viaje que va desde lo idílico a lo infernal, con el relato de un hombre en relación con su entorno y su familia y con el dibujo de su vida cotidiana, bucólica y lírica, y como todo se despeña con la llegada de las tropas nazis y el choque de lo bélico y antibélico. Él comienzo de un viacrucis descarnado.


¿Quién asume la responsabilidad de lo que yo haga como soldado? Yo no puedo luchar para que Hitler domine el mundo", afirma el creyente. "¿Hay algo peor que tener que matar y robar a aquellos que defienden su patria y, además, para ayudar a la victoria de un poder antirreligioso?


La historia real del beato Jägerstätter, nos llevara al limite de la reflexión, ante las situaciones que de modo ancestral, nos acontecen.
Los poderes gubernamentales y sus contradicciones.Los esquemas religiosos y sus ambigüedades.


El amplio dilema que arrastramos, se traduce a lo visual,con una calidad cinematográfica de edición y montaje, de sonoridad y de guion, que van acorde al reflexivo acto que posee la conciencia humana, ante un fáctico mal.


Su director, el diferente Terrence Mallick, constructor de grandes obras como "la delgada linea roja" y "el árbol de la vida", nuevamente nos regala sus pinceladas de sabia construcción de climas a través de su poesía visual.

Sus recursos técnicos están mas que nunca montados con maestría en este film, como así también los logrados trabajos de August Diehl, como el objetor de conciencia Jägerstätter,junto con su luchadora mujer, Valerie Pachner, realizando una actuacion digna de cualquier premiación maxima, ademas de el gran Bruno Ganz, encarnando en breves minutos, el rol de un juez adusto, quien en una escena, logra mostrar aquello tan complejo como el miedo y la contradicción humana.


Nuevamente la complejidad de los destinos y decisiones,nos interpelara a través de intentar descifrar cual es el punto en el que las convicciones deben dejar paso a la inmunidad o a la salvación, o si la firma de una renuncia en un papel vale la vida que no deseas vivir. 

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